Más de Bigelow y Cameron…

posted by: pcastrillo

Ya hemos hablado mucho de esta pareja, que no en vano ha sido protagonista del cine mainstream en 2010 (admemás de haber sido marido y mujer; y haber trabajado juntos en varias ocasiones…) Y aún hemos hablado más, y más aún… y todavía más. Pero quien levanta expectativas, debe pagar un precio: el juicio de los resultados. Y ahora -por una de esas casualidades de la vida- he tenido la oportunidad de ver dos películas que arrojan conclusiones interesantes sobre Cameron y Bigelow: la primera es de él, True Lies (Mentiras Arriesgadas, 1994); y la segunda, de ella: Point Break (Le llaman Bodhi, 1991).

Le llaman Bodhi no deja de ser un título bastante convencional, de acción, con actores y actrices guapos y guapas y escenas bien trabajadas… No está mal, pero no es ninguna joya. A pesar de eso, se la recordará por uno de los primeros usos realmente atrevidos de la steadicam y por los famosos atracadores conocidos como “Los Ex-Presidentes”. Pero la historia es débil, busca su raíz en las extrañas divagaciones pseudomísticas del antagonista y fracasa en el intento. Después de llegar a esta conclusión he pensado que, en el año 2009, la misma directora estrenó The Hurt Locker. Y me parece una buena noticia.

Mentiras Arriesgadas, por su parte, también tiene algo de convencional. Pero le da esa “vuelta de tuerca” que siempre es tan de agradecer. Las escenas de acción se llevan al extremo de lo inverosímil deliberadamente y con acierto. (Esto me recuerda que la escena de Live Free or Die Hard en la que Bruce Willis pilota un avión de combate está clarísimamente tomada de la película de Cameron). El factor “vida privada” que introduce en la vida de un super-agente secreto distorsiona las tramas y las enriquece. Los diálogos son tronchantes durante 140 minutos, y no hay un sólo segundo de aburrimiento. Es, en el fondo, ese brillante ejercicio de tomar una historia conocida y buscarle las cosquillas para que sea nueva y la disfrute el público… Y, una vez más, después de llegar a esta conclusión he pensado que, en el año 2009, el mismo director estrenó Avatar. Y, lo siento mucho, pero me parece una mala noticia. Ustedes dirán.

¿Dónde viven los monstruos?

posted by: pcastrillo

“Lo que necesitáis no es un rey… sino una madre”. Es lo que Max opina de los monstruos, no sin razón. Más allá de la discusión -ya liquidada- de si ‘Where the Wild Things Are‘ es para niños o para adultos, está claro que no es para todos los públicos: a muchos les aburrirá tremendamente, y otros saldrán espantados del surrealismo que impregna muchas escenas. Y pocos, unos pocos, llegarán al the end maravillados por lo que se puede hacer en una película a base de contrastes de recursos retóricos, de música y emociones. A este propósito, me parece muy acertado lo que dice Nacho Vigalondo en su Diario Cinematográfico:

Donde viven los monstruos es una película capaz de generar un sentimiento por el que el cinéfilo medio debería tener más cariño: el desconcierto.

El país de los monstruos -el lugar al que viaja un iracundo Max enfadado con su madre- es el lugar de los defectos y vicios del ser humano: la ira, la envidia, la soledad, el pesimismo, la susceptibilidad… en fin, la tristeza. Y aún así es fácil descubrir que las personas no son sus defectos (los tienen, pero no los son).

La película es, además, un maravilloso canto a la maternidad “a pesar de los pesares”. Dice KW, poco antes del final, y no sin ironía después de todo lo visto y oído: “Te quiero tanto… que te comería”.

El género de Terror y la violencia

posted by: José Manuel López

Si algo caracteriza al cine de terror, y lo distingue del resto de géneros cinematográficos, es su vocación natural ajena al público familiar, e incluso me atrevería a decir, al target general. El Drama, la Comedia, la Ciencia Ficción, el Western, el Cine negro… todos tienen como denominador común historias que pretenden abarcar el mayor número de público posible. Y el cine de terror, también, pero siempre dentro de unos márgenes limitados por su propia naturaleza. Unas fronteras que cercan a un público cada vez menos exigente con los productos ofertados.

La pescadilla que se muerde la cola en televisión: “el público ve lo que le ofrecen, porque quien ofrece, presenta lo que quiere ver el público” es un axioma falso e irresponsable, y por tanto discutible. El mismo que se discute en el cine, pero multiplicado exponencialmente cuando la violencia – no necesariamente explícita – es colocada en una bandeja de plata ante los espectadores. Supongo que no habrán visto una miniserie titulada Dead Set. Viene al caso: la audiencia, convertida en muertos vivientes, ataca a los únicos supervivientes que, ajenos al exterior, habitan en la casa… de Gran Hermano. La inversión del mito de Saturno – el padre que devora a sus hijos – expuesto como una televisión devorada por quienes se alimentan de ella, sin razonar ni exigir. La crítica más rotunda al entretenimiento chabacano y los contenidos de fast food que inundan la parrilla comercial. Una serie que, más allá de esa novedosa aportación filosófica, no aporta mucho más al popular subgénero de terror que es el universo zombie.

* Pueden leer el resto del artículo en CinemaNet.

Escribir para ciegos: estructura o contenido

posted by: José Manuel López

Trasteando un poco por Internet he visto un par de nuevos videos que, aunque no dicen nada nuevo, si recuerdan y explican de modo breve, sencillo y didáctico diferentes aspectos realtivos al guión de cine.

«No es que no existan buenas historias, es que no se arriesgan a construir películas con ellas.»

Hablando de revolución

posted by:José Manuel López

La semana de San Fermín, para quien nunca la haya vivido, ha sido más que intensa. Porque, además de las consecuentes actividades nocturnas, también lo ha sido cinematográficamente hablando: Knight and day (patética, pero comestible), Unthinkable (interesante aunque superficial), The invention of Lying (cine propaganda), Repo men (decreciente), The book of Eli (decepcionante), Daybreakers (una más en la moda vampírica), Shutter Island (magnífica),  Solomon Kane (comida basura), Legion (más comida basura),  Law Abiding Citizen (lo que podía haber sido…) y The Wolfman (decepcionante).

Por otra parte, para superar mi adicción a The Shield comencé a inyectarme otra droga si cabe más potente: Entourage. Grandes dosis diarias para ponerme al día. Del triunfo de ambas historias hablaremos otro día, en el que también incluiré una tercera: Mad men. Y las que que tengo en pendientes… 

Sin embargo, lo interesante viene de las revisualizaciones. Además de volver a disfrutar con Zombieland -el triunfo de los gags-, me tragué con buena gana (y por tercera vez) las trilogía de Matrix. Esta vez, con dos conclusiones. La primera, que mantengo desde el principio, es que el orden de las películas es el orden de su calidad narrativa: la última película no puede ni compararse con la primera, mucho mejor y con una historia más cuidada. Sigo sin entender las críticas hacia los hermanos Wachowski.

Y con la segunda, deducida en uno de mis pocos días lúcidos, vengo a decir más o menos que Matrix ha revolucionado la forma de hacer cine más y mejor que los avatares de James Cameron. Visualmente cada ambas juegan sus bazas (hablé hace algún tiempo del timo del 3d). Incluso las piruetas de Neo y Trinity nos asombraron más que la isla colgante de Pandora. Pero si alguien sabe vender algo ese es el director de Titanic y, a estas alturas, nadie duda ya de que sea un genio. Y narrativamente - lo que importa - en referencia a la estructura de la historia, creación del guión, desarrollo de los personajes, tema o concepto y la evolución de los acontecimientos, creo que no hay comparación posible. Insisto, hablo de la primera película. Matrix es una obra más completa, que cumple los que pueden entenderse como dos requisitos principales de cualquier creación artística: entretener y provocar reflexión/aprendizaje.  Avatar cumple la primera con creces y suple la segunda con un manantial de emociones y planos sentimentales. Matrix se atreve con el tema más grande – la propia existencia – y a su alrededor enrolla todo lo que atañe a la propia vida: desde asuntos universales hasta conceptos ordinarios. Y lo hace sin descuidar a los personajes, que avanzan en cierta medida por encima de los propios actores. No olvidemos que ambas historias se basan en tramas de acción, por mucha filosofía que las impulsen.

Ale, ya me he quedado a gusto.

Mi papá es un superhéroe

posted by: José Manuel López

 

Escribía hace tiempo mi compañero Guillermo un interesantísimo artículo  para CinemaNet reflexionando sobre la construcción de películas basadas en uno o varios conflictos derivados del sentimiento de  venganza. Engañados por la venganza, qué cierto. No sólo en cine, también en la pequeña pantalla. La justificación de la violencia -física o psicológica- que tragamos sesión tras sesión sin cuestionarnos nada. Como complemente didáctico, citaba una larga lista de películas -algunas brillantes, otras no tanto-, pero hoy me quedaré con dos: Edge of Darkness y Taken. Ambas representan un grueso de títulos en alza cuyo argumento es prácticamente el mismo.

En este tipo de películas, las barreras dramáticas son representadas como una mafia del este, un gobierno corrupto o una organización multinacional con intereses nocivos. Son circunstanciales, físicas. Y dan lo mismo. El desarrollo de este tipo de películas es clónico. El catalizador es la muerte-secuestro-desaparición de la hija -raramente se trata de un hijo- y la vuelta al ruedo del padre envejecido, pero reanimado con poderes casi sobrenaturales. Se trata de historias simples y fácilmente predecibles, que no suponen un gran esfuerzo para un guionista medianamente trabajado. No cualquiera, pero sí cualquier guionista con horas de trabajo encima puede escribir una historia así. De hecho, el éxito o fracaso depende más del rostro del héroe que de la misma historia.

Al fin y al cabo, la hija del superhéroe no es más que un macguffin.