¿Qué tiene que ver esto con el guion (sin acento) específicamente hablando? Pues todo y nada. Todo, porque también hay quienes escriben guiones para videojuegos. Libretos gloriosos, llenos de imaginación y muchas veces llevados -en ocasiones, no tan bien- al cine. Y esos videojuegos hay que venderlos, en una lucha cada vez más encarnizada por el realismo, de una forma original y atractiva. Esas historias, las ideas que transmiten, hay que comprimirlas en poco más de un minuto. Importa todo: lo visual y la forma de contarlo. La manera de hacernos llegar que ese juego va a gustar.
Ya que, a día de hoy, son prácticamente películas interactivas.
Y nada, porque lo que viene a continuación tan sólo son los videos promocionales. Eso sí, de unos videojuegos basados en historias excepcionales. Hay empresas, trabajadores, específicamente dedicados a realizar trailers. Los hay malos, buenos, atractivos, sorprendentes… y espectaculares. Estos, sin duda, entran dentro del último adjetivo.
Escribir películas suele ser la mayoría de las veces – a diferencia de la escritura literaria – un proceso coletivo. Trabajo en equipo, distribución de funciones, negociación o acuerdo, reparto de tareas. Generalmente se dice que esto sucede más en televisión, pero a la vista está – IMDB – que no es del todo cierto. Una mente genial puede construir una filmografía de culto, pero varias mentes creativas pueden construir una nueva etapa en la historia cinematográfica.
¿Recuerdan Toy Story? La primera, digo, la original. La que dentro de unas semanas será la mejor de las tres. La que hasta hace un par de meses, según el Box Office Mojo, ha recaudado $361.958.736. Trabajaron en el guión7 personas distribuidas en dos grupos: historia y adaptación. Andrew Stanton estuvo presente en ambos. Es uno de los inamovibles de Pixar, así que también estuvo en la segunda y tercera entrega. Aunque, de esta entrevista de hace ya algunos años, quizá lo más relevante sea escuchar cómo nace una historia, y por qué.
Los lectores ya saben de sobra que Pixar es, probablemente, una de mis mayores fascinaciones cinematográficas. La capacidad de crear grandes historias y personajes inolvidables, el don de trabajar con una belleza estética excepcional y la responsabilidad que manifiestan al llevar a los espectadores a ser partícipes de valores positivos -a ser mejores personas, en el fondo- hace a esta casa merecedora de mi más profunda admiración. (Esto lo expliqué detenidamente en un artículo titulado ‘Cuando todo es posible en el Cine‘, para Cinemanet).
La noticia me llegó hace pocos días, gracias a mi suscripción al canal de Disney-Pixar en YouTube y su perfil en Facebook: la compañía se expande a Canadá, concretamente a Vancouver. Con este motivo, nació el vídeo que presento a continuación, que explica las causas, motivaciones y aspiraciones de este movimiento empresarial. Una vez más, los jefes de la lamparita me dejan boquiabierto, en esta ocasión por sus declaraciones relativas a lo que en Pixar esperan de sus trabajadores, y en el fondo, de su propia profesión. Dejo dos citas para recordar:
Quality is our best business plan. (John Lasseter, Chief Creative Offcier, Walt Disney and Pixar Animation Studios).
Everything we touch needs to be excellent. (Ed Catmull, President, Walt Disney and Pixar Animation Studios).
Y termino citando de nuevo al siempre genial Lasseter: Every artist is focused on breaking new ground, making characters that people love, the most entertaining films we can. And it’s that spirit that we continue to grow and we decided to take that spirit and open an animation studio in Canada. Mi conclusión: quiero trabajar para Pixar.
“El cuento ha existido desde siempre. Creado por el pueblo, el amor del niño le ha asegurado la vida. (…) Para mí, la opinión, el gusto y las preferencias del niño son preciosos porque son sinceros y auténticos”
(Ladislaw Starewicz: Le conte, le Jouet et le Cinéma, 1930)
Entomólogo de formación y cineasta autodidacta, Starewiczfilmó en Rusia y Francia más de un centenar de películas, desde principios de siglo hasta 1965. Tras iniciarse en el cine en los estudios Khanzhonkov y dirigir cine con actores, descubrió en la animación un medio ideal para desarrollar su desbordada imaginación, su habilidad técnica y su destreza como titiritero.
Ladislaw Starewicz puede ser considerado uno de los pioneros en la técnica stop-motion. Sus inicios tuvieron una intención documental al reproducir el apareamiento de los escarabajos-ciervo, imposible de registrar en vivo con los medios de la época. Y, según leo en diversas páginas de Internet, su técnica y calidad artística han sido alabadas por directores como Terry Gilliam, Nick Parky John Lasseter, y han influido notablemente en el trabajo de realizadores como Tim Burton, los hermanos Quay, Joel Meter-Witkin y Kyle Cooper.
Olvidado hasta hace poco y rescatado por investigadores y expertos, vuelven las elaboradísimas piezas de este brillante artista que merece aún hoy el reconocimiento que durante tanto tiempo se le ha negado. Dejo una de sus obras más conocidas: Cameraman’s Revenge. También pueden disfrutar de un breve documental sobre su legado.
El artista polaco Tomasz (Tomek) Bagiński es uno de los más importantes creadores de cortometrajes de animación de Europa. Es productor, director, creador y guionista de sus propias historias, y una de ellas fue nominada para los Oscar: The Cathedral (Katedra, 2002). Además, su reciente Kinematograf ha sido precandidata en las nominaciones. Por lo visto se considera a sí mismo un autodidacta ya que abandonó sus estudios de arquitectura para dedicarse por completo a su pasión. Y acertó: sus cortometrajes arrasan en los festivales y ya desde su primer trabajo, Rain, se ha metido en el bolsillo a la crítica. También ha trabajado en la industria de los videojuegos, concretamente en The Witcher. La introducción cinematográfica del juego (un éxito a nivel mundial) también se gano el reconocimiento de Visual Effects Society.
Debajo, los cortometrajes de este magnífico cineasta.
La dama y la muerte es el divertidísimo cortometraje español que aspira a los Oscar este año. Lo firma la productora granadina Kandor Graphics, que también está de enhorabuena al situar El lince perdidoentre las candidatas a la mejor película de animación (ya se hicieron con el Goya). Y, encima, ha hecho historia. La pieza - producida en colaboración con Green Moon, productora de Antonio Banderas- supone la primera candidatura de un cortometraje español de animación. Y, además, ambas empresas trabajan en Goleor, primer largometraje de animación realizado en España en 3D. El director y guionista es Javier Reció García.
La dama y la muerte
El resto de competidores
Sin embargo, la disputa por el Oscar será cuanto menos competitiva ya que el resto de candidatos a la estatuilla ha presentado trabajos igualmente meritorios. SIGUE LEYENDOpara ver los 9 competidores restantes. Y los titanes son:
Mucho se está hablando del último film de James Cameron y, aunque aquí no mencionaré sus récords de recaudación y taquilla. Eso pueden admirarlo tranquilamente en otro momento. Lo que sí voy a hacer es un breve análisis de opinión sobre el guión (click y descárgatelo) de la película. Un breve adelanto de un artículo – más extenso, más profundo y que abarcará muchos más temas pasados por alto - que estoy preparando para Cinemanet.
Existe un principio, reflexión o acuerdo no discutible que dice que algo así como: “Con un buen guión puede hacerse una película que no lo es tanto, sin embargo, de un mal libreto no puede sacarse un buen film”. Digamos que esta contrastada reflexión tenía su haber hasta que James Cameron se propuso exiliarla.
A Cameron se le reconoce el estilo de construir historias muy masticadas. Esa simpleza (narrativa) se concreta en que los malos son muy malos y los buenos, muy buenos. En que revolotea sobre ideas universales – fe, naturaleza, ciencia – sin adentrarse en las marismas de la personalidad humana, ni en conceptos concretos ni metafóricos. Y que las relaciones que puedan surgir entre los personajes, sus temores, aspiraciones e incluso la más mínima escala de grises de sus “yos” interiores se supedita a la acción; más concretamente a la mediación técnica para la acción. No estamos hablando de Alfred Hitchock, Clint Eastwood o Akira Kurosawa, ni que Cameron pretenda serlo.
“En mi primer día en Disney, fue escoltado a la sala de edición donde me mostraron el animatic de la película en la que iba a trabajar, y de allí me llevaron a la sala de conferencias donde el director me dijo que necesitaban las secuencias 7, 14 y 28 revisadas para finales de semana. Cuando les señalé las líneas que yo creía eran el problema, me dijeron que no podía cambiarlas porque ya habían sido animadas. Ah, y algunos de los actores estaban actualmente en Broadway y no estarían disponibles antes de la próxima proyección, así que sería maravilloso si yo reescribiera las líneas de las personajes secundarios y no tocara las de los principales. Ah, y por cierto, qué me gustaría para el almuerzo”.
Pd: ¿El título de la entrada? La pregunta a Rob sobre su elección del almuerzo me recuerda a la que hacen a los presos en el corredor de al muerte… ¿No visualizáis a Tom Hanks llevándole hasta la sala de edición?
Rodrigo Blaas lleva años trabajando para Pixar. Ha prestado sus servicios, entre otras, en Buscando a Nemo, Ratatouille y Wall-E. Además, ha trabajado como animador de personajes – el entrañable Carl – en la exitosa Up. Y ahora, tras 3 años de trabajo, presenta su ópera prima con Alma, un cortometraje que aspira a los Goya de este año.
La calidad técnica en el aspecto visual es indiscutible y, junto al apartado sonoro, evidencian la influencia de su labor en la productora de sueños norteamericana. Sin embargo, hay una pequeña gran divergencia respecto a las anteriores películas: el tono de la historia. Desde el principio, percibimos que algo no va bien y esta sensación nos mantiene alerta hasta un final que resulta sorprendente. Y ese ambiente perturbador se muestra tanto en el conjunto de las imágenes, como en el lugar escogido para desarrollar la historia. Magnífico el detalle del juguete sobre la bicicleta: lo dice todo sin decir nada. Y esa última imagen del muro repleto de nombres… digna de una película de terror.
“A través de esfuerzos conjuntos de nuestros equipos técnicos y artísticos conseguimos convertir en realidad todas las cosas que soñamos.”
Gonzalo Rueda, director de Tecnología de Illion
El guión
Está firmado por Joe Stillman, coguionista de Shrek (nominado al Óscar) y Shrek 2, y ha necesitado tres años para ver luz verde. Supongo que su elección se debió al éxito de los títulos mencionados, adscritos al género de la animación cómico-fantástica. Con Planet 51 nos sitúa en un planeta alienígena ambientado en los años 50, y este punto de partida es ya un acierto. Además de la ambientación, algunos personajes como el divertidísimo perro-alien o el simpático robot (también con alma de can) son también buenos generadores de gags durante la historia. Y aquí, una cuestión importante que explica dos formas de hacer: Dreamworks trabaja con gags mientras que Pixar hace lo propio con historias. Y la estructura mediante gags resta importancia a la historia y tan sólo la hace avanzar si, antes, el guionista ha construido unos personajes sólidos y especialmente diferenciados. Y lo que sucedió en Shrek, donde los gags funcionaban porque los personajes funcionaban, no lo ha conseguido en Planet 51. En la primera, los gags salían de los personajes porque, al relacionarse, surgían situaciones cómicas. Y, al final, Stillman va a tener razón cuando dice que “Planet 51′ sólo se parece a ‘Shrek’ en los personajes verdes con antenitas.”
¿Por qué no funcionan entonces los protagonistas? Este es el aspecto más malcriticado (entiéndase por crítica no constructiva; consultar al final del texto) del conjunto de la película: “Personajes cliché, sin profundidad, planos, fantásticamente formados sobre un fondo más bien anodino”. Un ejemplo es la falta de empatía con Chuck Baker (el astronauta), lo que resulta ser un defecto importante. En mi opinión, se podía haber hecho mucho más al respecto a la construcción de los personajes.
El 20 de noviembre se estrenó en 3.500 salas de cine de Estados Unidos Planet 51, la primera (súper)producción realizada por Illion Animation Studios, productora afincada en el municipio madrileño de Alcobendas. Una semana después llegaba a nuestras pantallas avalada por un presupuesto de 55 millones de dólares, la mayor producción cinematográfica del cine español (ahora, al parecer, junto con Ágora). Atrás quedaban los posos de Up (930.000 euros de recaudación en su primer día en los cines españoles) y la competencia en el cine familiar pasaba a Disney y su comedia Par de colmilludos protagonizada por Travolta y Robin Williams (¡!). Planet 51, producida por Ilion, HandMade Films y Antena 3 Films es una de las películas españolas más taquilleras, con 35 millones de dólares recaudados solo en las salas estadounidenses convirtiéndose así en el mejor estreno de una película de animación no americana.
¿Habéis seguido el medido proceso de marketing de la película? Antes (publicitario y boca-oido sobre las expectativas), durante y después de su estreno. Difusión en medios de comunicación y redes sociales, videojuego lanzado simultáneamente (Pyro Studios es la empresa de videojuegos fundada por Ignacio Pérez Dolset, coideador y productor de la película), merchandising masivo, contratos con cadenas de restaurantes de comida rápida/basura… El cine español está aprendiendo a combatir, además, en el formato “negocio” de sus proyectos.
Mi opinión, en general
Planet 51 es el resultado de la primera gran incursión en el cine internacional de una película de animación española y la demostración práctica de que en este país existe más allá de Amenábar y compañía. Supone, además, una fractura en el tópico ideológico del séptimo arte en España, una oportunidad ante un primer paso valiente y decidido – aún queda mucho – hacia la competitividad del nivel técnico, visual y narrativo de los (mejores) productos de Hollywood.
En el siguiente post, el (polémico) guión de la película.
Dieciséis horas de filmación y dos años de post producción fue el tiempo necesario para dar a luz este cortometraje con tintes románticos, e inspirado en la historia de uno de los episodios de Twilight Zone. Su creador es Bruce Branit, propietario de Branit VFX y con cuatro nominaciones al Emmy Award en su currículo por su trabajo en Star Trek. Con todo, ha participado en una cantidad admirable de películas taquilleras y series de éxito, como Titanic y Lost.
El nombre de este mago de los efectos digitales empezó a escucharse tras su co-autoría (junto con Jeremy Hunt) en el cortometraje 405. Esta pieza tuvo un gran impacto mediático por ser uno de los primeros en ser masivamente distribuido en Internet (hablamos del año 2000) y ejemplo pionero en la Digital Revolution del séptimo arte.
Tanto Branit como Hunt dieron sus primeros pasos en el autodidactismo – por aquellos años no existían aún escuelas especializadas – y necesitaron poco más de 300 dólares, una cámara digital y sus propios ordenadores personales. El resultado, al igual que actualmente el cortometraje de Fede Álvarez, no tenía nada que envidiar a los efectos de las películas hollywoodenses contemporáneas.
405
The world builder ha sido galardonada con diferentes premios en varios festivales como KC Filmmakers Jubilee, el Indianapolis International Film Festival y el Indy Shorts Fest. Para los más interesados, tiene – aunque qué no lo tiene ya – un club de fans en Facebook.
La revista 3D World, editada por Future Publishing Limited que, a su vez, es una compañía de Future Network plc – grupo que produce más de 100 revistas, 60 sitios web y multitud de eventos en vivo por casi todo el globo – lo incluyó en unalista de los 10 SGI shorts (cortos realizados con imágenes fotorealistas, en 3D, animaciones, efectos especiales etc. generadas por ordenador) que no te puedes perder. Disfrútenlos.
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About “Scenas”
El cine es un arte maravilloso y cautivador. También lo es la literatura. 'Scenas de Guión' es para disfrutar con las artes narrativas, en general. Porque pueden enseñarnos mucho acerca de la vida. Y porque, practicándolas, también podemos enseñar mucho a los demás.
Aquí encontrarán cuestiones variadas acerca del guión cinematográfico; crítica de cine; escenas míticas, y otras reflexiones. Quizás, también, algo de literatura y artes visuales... que lo disfruten.
"Una película tiene tres elementos fundamentales: el guión, el guión y el guión".
Sir Alfred Hitchcock
"Imagínese a un hombre sentado en el sofá favorito de su casa. Debajo tiene una bomba a punto de estallar. Él lo ignora, pero el público lo sabe. Esto es el suspense".
Sir Alfred Hitchcock
"¿Quién necesita a un guionista? Dadme un director competente y un par de actores inteligentes y en ocho semanas os mostraré a los tres tipos más nerviosos que hayáis visto".
Groucho Marx
"Escribir un guión no es esperar a que llegue la musa y te bese en la frente; es un trabajo muy duro. He hecho ambos trabajos, y sé que dirigir es un placer y escribir un guión es un rollo".
Billy Wilder
"Lo más importante es tener un buen guión. Los cineastas no son alquimistas. No se pueden convertir los excrementos de gallina en chocolate".
Billy Wilder
Ladislaw Starewicz puede ser considerado uno de los pioneros en la técnica stop-motion. Sus inicios tuvieron una intención documental al reproducir el apareamiento de los escarabajos-ciervo, imposible de registrar en vivo con los medios de la época. Y, según leo en diversas páginas de Internet, su técnica y calidad artística han sido alabadas por directores como 
El artista polaco 
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