La escueta entrada en Wikipedia no les hace justicia. Tampoco su fama dentro y fuera de la industria, ni sus condiciones laborales, ni su reconocimiento. En España, claman que son poco más que esclavos de productores adinerados y cadenas de televisión con innato instinto de supervivencia comercial.
Ellos son los que conocen al ser humano, al entorno en el que vive. Son los que nos cuentan historias, ya sea en un cómic, en el telediario de la noche o en una película en los multicines. De ellos depende que una historia pueda convertirse en una experiencia, y así, sobreviva el cine a los tiempos que corren. Son los que deben comenzar, en un folio en blanco, un proyecto que puede involucrar a más de un centenar de personas.
Me gustan las promos de Turner. Esta, dirigida a Hollywood, tampoco hace justicia del todo. En nuestro país hay buenos guionistas, buenos cuentacuentos. Y este vídeo es aplicable a todos. Ellos son el primer pilar de la fábrica de sueños.
Ambos recogen el mayor número de papeletas para ganar entre los nominados a mejor guión en los Globos de Oro 2010. Aaron Sorkin tiene en su currículo varios títulos de prestigio (Algunos hombres buenosy la afamada El ala oeste de la Casa Blanca) y colaboraciones para otros libretos de prestigio como La lista de SchindleroLa Roca. No son pocos los que afirman que ha llegado la hora de reconocer el magnífico trabajo de este productor, director y guionista que domina la escritura ágil y directa. Un maestro del diálogo, en el que se fundamenta la nominada The Social Networkdesde el primer minuto del film.
Christopher Nolan, en cambio, se ha sacado de la manga una idea -qué paradoja- sobre la creatividad, la creación y un mundo de submundos freudianos que ha resultado ser una obra maestra. Uno de los pocos estrenos (del cine comercial, apunto) durante este 2010 que ha dejado cabida al reposo y la reflexión. Inception es, además, una historia frenética que mantiene el ritmo a lo largo de todo el metraje. Algo muy complicado siempre, y más cuando por otra parte tus pretensiones apuntan también a la profundidad del protagonista.
Por mi parte, si tuviese que dar un premio a un guión como herramienta técnica, de pura escritura, de dominio literario, sería para Sorkin. Y si el mérito tuviese que quedarse en la mejor historia, como narración, fábula o cuento, Nolan sería quien más se ajusta a ese parámetro. Complicado asunto.
En los Oscar del año que comienza, todo parece más claro: mejor guión adaptado para Sorkin por la historia del ascenso de Mark Zuckerberg; y mejor guión original para el libreto de (¿ciencia ficción?) escrito por Nolan. Sin embargo, en los Globos de Oro, ¿quién crees que sumará un nuevo reconocimiento a sus vitrinas?
Ahí tienen a uno de los gurús televisivos de este siglo. Creador de Alias, co-creador de Lost y Fringe, entre otras. Productor, guionista, director, compositor (e incluso actor)… uno de esos genios capaces de movilizar millones de personas en torno a una historia, durante años, mientras se rebanan los sesos en la construcción de otra.
No hay que ser JJ Abrams para entender -y apreciar- que una (buena) serie, se construye a través de los personajes que actúan en torno a ella. Siendo las tramas, por tanto, vehículos que conducen a los mismos protagonistas a profundizar en la propia historia. No es de extrañar, por tanto, que series como Dextero The Shield(esa ambigüedad moral tan atractiva) triunfen como lo han hecho. O que Boardawalk Empire sume tantos puntos no sólo gracias al cuidado estético de la serie, sino también a quienes la están representando. Y qué decir que una serie como The Walking Dead ha conseguido destacar dentro de su género (véase, Dead Set) porque pretende rebuscar en las mismas entrañas de los supervivientes para ambientar el caos en el que se desenvuelven. Hay vida más allá de las vísceras.
Aunque el caso más ilustrativo es House: un personaje que levanta una serie durante 7 temporadas. O la alguna vez comentada Misfits: Nathan, uno de los jóvenes problemáticos, sostiene la 1ª temporada. En la comedia puede aplicarse lo mismo: The Big Bang Theory (incomprensiblemente menospreciada por algunos bloggers) y que se sostiene gracias a la brillante actuación de Jim Parsons. Y Modern Family, con su actuación coreográfica. ¿Y qué serían las anécdotas de How I met your mother sin Barney Stinson?
Aunque tengas una idea brillante (Flashforward), esta tiene que estar sujeta y estructurada en los protagonistas que la llevan a cabo. De ahí el éxito de Perdidos. De ahí las dudas con The Event. De ahí que Supernatural siga al pie del cañón: Dean y Sam siguen siendo los mismos que en la 1ª temporada, y sin embargo, en la 6ª, hayan evolucionado en cierta manera. Siendo los mismos, pero al mismo tiempo no siéndolo. Igual que el doctor House, entre el amor de Lisa Cuddy y su filosofía vital. Y como, espero, promete ser Terriers.
Con todo el respeto hacia las series de acción -Nikita- o de puro entretenimiento -Castle, Medium- una serie construida desde los personajes es una apuesta segura. HBO mediante, claro.
Con motivo del estreno de su última película, Vivir para siempre, acordamos una entrevista con Gustavo Ron(director y guionista) en un Café y té céntrico de Madrid. Resultó ser un tipo franco, directo y agradable. Algo difícil de encontrar entre las altas nubes en las que viven muchos artistas del celuloide (no sólo en Hollywood). Gustavo ya llamó la atención en 2006 con su ópera prima como director, ‘Mia Sarah’. Licenciado en Comunicación por la Universidad de Navarra, había comenzado trabajando como guionista y, de momento, ha escrito el guión de sus dos películas. Ahora llega a los cines con ‘Vivir para siempre’, que comparte algunas características de su anterior película: la lucha por cumplir los propios sueños y un toque mágico.
¿Qué es lo que más le llamó la atención del libro de Sally Nichols, para convertirlo en película? Se podría decir que encontré el libro en el suelo, en FNAC de Barcelona, medio escondido en la estantería de abajo. Me gustó la contraportada: “Cosas que deberías saber sobre mí: me llamo Sam, tengo 12 años, tengo leucemia, y cuando leas esto ya estaré muerto”. Caray. Me lo leí en el AVE a Madrid y me conmovió. Me pareció una historia muy difícil, porque habla de dos niños que tienen cáncer, pero lo que me llevó a convertirlo en película es que no habla de la muerte para nada. Es una novela que te habla de las ganas de vivir, de los sueños por cumplir, de cómo luchar por las cosas que quieres que existan… Y, al final, el mensaje global es tan positivo que pensé que era todo un reto.
¿Un toque optimista para hoy en día? Sí. Oyes a mucha gente que estamos en crisis, y la gente no quiere llorar ni sufrir, sólo reírse. Pero la gente no es tonta, y se ve en los resultados de mercado: algunas comedias tontas, tanto en Estados Unidos como en España, han pinchado. Y, sin embargo, dramas con más inteligencia o más profundos están funcionando. E insisto: nuestra película no es un dramón; es un drama que tiene mucho de mensaje positivo.
Sin embargo, la idea de la muerte no dejaría de estar presente en el rodaje. ¿Cómo se enfrentó el equipo a ella? Yo estaba muy obsesionado con que la película no iba sobre la muerte, y quería que todo el equipo tuviera claro que el mensaje de fondo era cómo cumplir tus sueños. Por eso, recopilé una serie de frases que se han dicho a lo largo de la historia sobre este tema, para que se viera que siempre ha estado presente. Ahora bien, dicho esto, cuando rodamos la escena en la que Sam muere, quería que los actores tuvieran una calma total, por lo que sólo estuvimos las personas fundamentales: los tres actores, el cámara, el pertiguista y yo. Quisimos que fuera muy intimista, muy real, nada dramática.
No conocía de la existencia de este sujeto hasta hace una semana, cuando los alumnos del SFTV de LMU fuimos invitados a una masterclass con Brian Helgeland. Eché un vistazo a su perfil de IMDB -tal y como deberíais hacer ahora mismo- y me maravillé: se trata del guionista que firmó la magnífica “L.A. Confidential“, y tantos otros títulos importantes como “Conspiracy Theory“, “Man on Fire” y “Mystic River“. E incluso la reciente “Robin Hood” de Ridley Scott.
Recojo a continuación algunos de mis apuntes tomados durante la citada masterclass (sólo son notas personales, nada es literal):
Escribe todas tus ideas, todo en cualquier momento y lugar. Algunas de esas ideas simplemente desaparecerán (y las encontrarás entre tus papeles, un par de años más tarde) y otras seguirán volviendo a tu cabeza como tiburones alrededor de la balsa del náufrago.
¿Esquema, tratamiento? No veo la diferencia: mis historias siempre empiezan con un párrafo y luego crecen, y crecen… todo al mismo tiempo: la trama, la estructura, los personajes…
Cuando me quedo bloqueado en alguna parte de la historia, casi el 90% de las veces me doy cuenta de que la causa es esa escena del primer acto que tanto me gusta… y que debo eliminar.
Cada secuencia de acción debe revelar algo sobre la historia, el personaje, etc. Y se debe establecer de antemano un problema realmente difícil, para que esa secuencia que lo resuelve sea verdaderamente entretenida.
El pitch: evita que tenga lugar después de comer… Y lo mejor que puedes hacer es sonar convincente, como quien ama su propia historia.
Se aprende a escribir escribiendo. Cada guión es tan específico que se aprende todo sobre él mientras se escribe. Por eso es bueno haber hecho malas películas también: se aprende mucho… y nadie las conoce.
Nunca he visto un gran guión que no llegue a ser producido. Si es realmente bueno, va a funcionar. Por lo tanto, si quieres que llegue a alguna parte, sólo necesitas lograr un objetivo: ¡emocionar al lector!
Diálogo: lo suelo escribir todo del tirón, y una vez terminado lo leo en voz alta. Y desde ese momento sólo intento abreviarlo. El diálogo no es como la realidad: en una conversación normal, absolutamente nadie dice una frase completa…
Trabajo todos los días. Me gusta empezar temprano en la mañana, y siempre tener mucho tiempo por delante (si sé que tengo una cita a las 10AM, no puedo empezar a escribir a las 8…)
[Preguntado sobre sus tres películas favoritas]: una de ellas es “¡Qué bello es vivir!“.
Este no es un blog de actualidad cinematográfica o relativa a los aspectos del guión. Y no lo es por una simple razón: existirían miles de ellos mejor y más actualizados que este. Sin embargo, ello no quita que no estemos al día. Por este motivo, y tras leer – después de tiempo, he de admitirlo – al guionista hastiado escribo esta entrada con motivo de la publicación por parte de Alma (sindicato de guionistas en España) de su guía de guionistas. En ella, según indica el propio hastiado, muchos de sus afiliados hacen público sus datos de contacto y un breve currículo. Para que todo director o productor(a) despistados puedan recurrir a quien mejor crean pueda adaptarse a su proyecto. Y sí, a estos hay que pagarlos.
Si algún guionista quiere aparecer en esta guía, como es de esperar, debe afiliarse a Alma. Por cierto, quizá esto les resulte también interesante.
Nos gustan las listas. El sabio siempre dice que es muy aconsejable colgar listas en los blogs. Así que le haremos caso. Esta vez, gracias al Arte por el Arte, que nos dejó un interesantísimo post a cuenta del reportaje de El País Semanal, sobre las 100 películas que han escogido 100 artistas del cine hispanoamericano como las que “cambiaron su vida”. La cosa empieza así:
Exterior. Noche. En una terraza, antes de la dispersión veraniega, cena un grupo de directores españoles. [...] Se aguarda la llegada tardía de los que siempre llegan con retraso; y mientras se espera, aún se puede hablar de cine. Todavía solo de cine, esa cosa que nos movió a dejar de ser médicos, arquitectos, funcionarios, comerciantes, periodistas… La vida, a veces, es de cine.
Y la lista, que ya sé que es lo que interesa, empieza con estas diez joyas:
Ya hemos hablado mucho de esta pareja, que no en vano ha sido protagonista del cine mainstream en 2010 (admemás de haber sido marido y mujer; y haber trabajado juntos en varias ocasiones…) Y aún hemos hablado más, y más aún… y todavía más. Pero quien levanta expectativas, debe pagar un precio: el juicio de los resultados. Y ahora -por una de esas casualidades de la vida- he tenido la oportunidad de ver dos películas que arrojan conclusiones interesantes sobre Cameron y Bigelow: la primera es de él, True Lies (Mentiras Arriesgadas, 1994); y la segunda, de ella: Point Break (Le llaman Bodhi, 1991).
Le llaman Bodhi no deja de ser un título bastante convencional, de acción, con actores y actrices guapos y guapas y escenas bien trabajadas… No está mal, pero no es ninguna joya. A pesar de eso, se la recordará por uno de los primeros usos realmente atrevidos de lasteadicamy por los famosos atracadores conocidos como “Los Ex-Presidentes”. Pero la historia es débil, busca su raíz en las extrañas divagaciones pseudomísticas del antagonista y fracasa en el intento. Después de llegar a esta conclusión he pensado que, en el año 2009, la misma directora estrenó The Hurt Locker. Y me parece una buena noticia.
Mentiras Arriesgadas, por su parte, también tiene algo de convencional. Pero le da esa “vuelta de tuerca” que siempre es tan de agradecer. Las escenas de acción se llevan al extremo de lo inverosímil deliberadamente y con acierto. (Esto me recuerda que la escena de Live Free or Die Hard en la que Bruce Willis pilota un avión de combate está clarísimamente tomada de la película de Cameron). El factor “vida privada” que introduce en la vida de un super-agente secreto distorsiona las tramas y las enriquece. Los diálogos son tronchantes durante 140 minutos, y no hay un sólo segundo de aburrimiento. Es, en el fondo, ese brillante ejercicio de tomar una historia conocida y buscarle las cosquillas para que sea nueva y la disfrute el público… Y, una vez más, después de llegar a esta conclusión he pensado que, en el año 2009, el mismo director estrenó Avatar. Y, lo siento mucho, pero me parece una mala noticia. Ustedes dirán.
Trasteando un poco por Internet he visto un par de nuevos videos que, aunque no dicen nada nuevo, si recuerdan y explican de modo breve, sencillo y didáctico diferentes aspectos realtivos al guión de cine.
«No es que no existan buenas historias, es que no se arriesgan a construir películas con ellas.»
Escribir películas suele ser la mayoría de las veces – a diferencia de la escritura literaria – un proceso coletivo. Trabajo en equipo, distribución de funciones, negociación o acuerdo, reparto de tareas. Generalmente se dice que esto sucede más en televisión, pero a la vista está – IMDB – que no es del todo cierto. Una mente genial puede construir una filmografía de culto, pero varias mentes creativas pueden construir una nueva etapa en la historia cinematográfica.
¿Recuerdan Toy Story? La primera, digo, la original. La que dentro de unas semanas será la mejor de las tres. La que hasta hace un par de meses, según el Box Office Mojo, ha recaudado $361.958.736. Trabajaron en el guión7 personas distribuidas en dos grupos: historia y adaptación. Andrew Stanton estuvo presente en ambos. Es uno de los inamovibles de Pixar, así que también estuvo en la segunda y tercera entrega. Aunque, de esta entrevista de hace ya algunos años, quizá lo más relevante sea escuchar cómo nace una historia, y por qué.
“Hay quienes piensan que el montaje o ensamblaje es llevar a un hombre de una lado a otro. Esto es lo queGriffithinventó, es cierto. Pero, yo intento profundizar aún más.“
Click en la fotografía inferior para ver la entrevista.
Terminados los 9 cuentos de Salinger (me quedo con dos: peces plátano y Teddy) es momento de llegar hasta el final de una de las más reconocidas biblias del guionista. Una profesión de putas es un libro indispensable para cualquier persona – ya sea aficionada o profesional – de la dramaturgia o arte de contar historias. Cine, televisión, teatro, literatura, radio… cualesquiera que sean los campos en los que siembras, David Mamet siempre puede aportar algo. Precisamente su currículo le avala: novelista, ensayista, autor teatral, dramaturgo, guionista y director de cine. Una mente brillante, portador de ideas también discutibles, que firma obras como: The Postman Always Rings Twice, Wag the Dog, Glengarry Glen Ross(por la que recibió un premio Pulitzer) o The Untouchables, entre otras muchas.
Según él mismo, la totalidad de su obra se sustenta en dos ideas fundamentales: 1)Todos los aspectos de la producción deberían reflejar la idea de la obra; 2) El propósito de la obra es llevar al escenario la vida del alma humana.
Además de ejemplos autobiográficos, literarios y cinematográficos, Mamet desarrolla su tesis de una forma amena – incluso novelística- en la que encontramos mareas de información lo suficientemente relevante como para subrayar, memorizar, y en este caso, transcribir en el primer sitio en el podamos hacerlo.
«Respondemos a una obra teatral en la medida en que se corresponde con nuestra vida onírica. La vida de la obra es la vida del subconsciente, el protagonista nos representa a nosotros mismos y la acción principal de la obra constituye el tema del sueño o mito. No es al tema de la obra a lo que respondemos, sino a su acción: el desarrollo de las acciones del protagonista y el apoyo concomitante de los personajes secundarios [...] La obra es la búsqueda de una solución. [...] Si la cuestión planteada puede resolverse racionalmente nuestro disfrute de la obra no es completo, puede entretenernos, pero no nos deja satisfechos. Sólamente si la cuestión que se plantea ofreca tal complejidad y profundidad que no resulta susceptible de una análisis racional puede parecernos adecuado el tratamiento dramático y esclarecedora la solución dramática. »
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About “Scenas”
El cine es un arte maravilloso y cautivador. También lo es la literatura. 'Scenas de Guión' es para disfrutar con las artes narrativas, en general. Porque pueden enseñarnos mucho acerca de la vida. Y porque, practicándolas, también podemos enseñar mucho a los demás.
Aquí encontrarán cuestiones variadas acerca del guión cinematográfico; crítica de cine; escenas míticas, y otras reflexiones. Quizás, también, algo de literatura y artes visuales... que lo disfruten.
"Una película tiene tres elementos fundamentales: el guión, el guión y el guión".
Sir Alfred Hitchcock
"Imagínese a un hombre sentado en el sofá favorito de su casa. Debajo tiene una bomba a punto de estallar. Él lo ignora, pero el público lo sabe. Esto es el suspense".
Sir Alfred Hitchcock
"¿Quién necesita a un guionista? Dadme un director competente y un par de actores inteligentes y en ocho semanas os mostraré a los tres tipos más nerviosos que hayáis visto".
Groucho Marx
"Escribir un guión no es esperar a que llegue la musa y te bese en la frente; es un trabajo muy duro. He hecho ambos trabajos, y sé que dirigir es un placer y escribir un guión es un rollo".
Billy Wilder
"Lo más importante es tener un buen guión. Los cineastas no son alquimistas. No se pueden convertir los excrementos de gallina en chocolate".
Billy Wilder
Mentiras Arriesgadas, por su parte, también tiene algo de convencional. Pero le da esa “vuelta de tuerca” que siempre es tan de agradecer. Las escenas de acción se llevan al extremo de lo inverosímil deliberadamente y con acierto. (Esto me recuerda que la escena de 
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