Lo llaman modas, corrientes o tendencias en el cine. Y son aquellas temáticas que durante un periodo de tiempo generan una gran cantidad de películas, sobre todo en el circuito comercial a nivel blockbuster. Es decir, aquí no juega cualquiera. Hay que tener una buena idea, llevarla a cabo y, sobre todo, dinero para darla a conocer. Son tendencias temáticas que se sustituyen unas a otras en el tiempo, de forma ordenada y cíclica, de tal forma que incluso puede hallarse cierta línea cronológica en la explotación del tema de éxito.
En el mundo del cine es muy frecuente, y se han visto de todo tipo: desde el renacimiento del (spaghetti) western, la moda de los vampiros… y este 2011 es sin duda tiempo de invasiones extraterrestres. Les guste o no, las majors de Hollywood están apostando por esto y tienen a decenas de guionistas conquistando y destruyendo mundos en miles y miles de hojas en blanco. La más conocida es, sin duda, Battle L.A.
Y esto también ha calado en la pequeña pantalla, donde tenemos un nombre propio por encima de todos: Steven Spielberg. El rey Midas ha apostado por la televisión para llevar a cabo dos proyectos: Terra Nova y Falling Skies. Aunque la primera está generando mucho ruido, he podido saber que Falling Skies promete ser uno de los estrenos estrella de esta temporada. Ya están creados los grupos para los seguidores en Facebook y Twittery el site en España de la serie donde puede se puede ver el trailer y leer el webcomic.
La diferencia que me ha llamado la atención de esta serie es que no se centra tanto en la invasión como en el después, en la forma en que los supervivientes tienen que avanzar en un mundo consumido y aún expuestos al peligro (todo ello con el ‘toque Spielberg‘, que no deja nada al libre albedrío a pesar de ser ‘solo’ productor ejecutivo). Tiene una aire a Walking Deadcon una importante presencia de la ‘infancia’ tan característica del cineasta americano.
Una serie a tener en cuenta a partir de su estreno en Junio en TNT.
He aquí mi cruzada. Antes de nada, seré franco: la historia alrededor de Harry Potter disipa en cierto modo mi sentido crítico. Y lo hace desde que me atrapó por completo con el primer libro, manteniendo esa sensación latente de rabioso despertar en cada nueva pieza literaria o estreno en los cines. Pero, vamos a dejar cosas claras.
Estamos deacuerdo:JK Rowling no es Tolkien, niLewis, ni siquieraRoald Dahl. Todos ellos fueron antes excepcionales creadores de historias y siguen siendo un referente en la literatura universal. Sus libros han sido traducidos a infinitas lenguas y las películas basadas en sus creaciones han conseguido recaudaciones multimillonarias. Probablemente, sean los escritores de fantasía más influyentes de todos los tiempos. Sin embargo, entre ese innegable hecho y el que acusa a la escritora británica de escribir fraudes dista un gran techo. Y no voy a centrarme en recaudaciones, porque eso conllevaría tratar el tema del target, los gustos distorsionados de la juventud y otras mamarrachadas que no merece la pena debatir ahora.
“Literatura para incultos” es el apelativo que cierta parte de la crítica utiliza para definir esta saga, purista ella, arraigada en la equivoca percepción de que todo éxito literario ha de ser, como poco, cercano a la calidad de Hemingway para plantear historias, Salinger para husmear en el alma humana o -que sé yo- A. Dumas, J. Verne o Vargas Llosapara que nos entren ganas de explorar el mundo. No sé que pensará mi amiga-futuro proyecto de editora, pero encuentro ridículo (y más que se fomente en España: por favor, que se centren en la basura patria) comparar a unos y otros. Y es que desde que me leí la metodología crítica de Roger Ebert no soy el mismo.
Cualquier escritor que sea capaz de extraer de su mente un universo como el que la escritora ha situado en el mismo Reino Unido, y lo “vista” con una historia tan adictiva, fantástica y -que narices- brillante, merece el respeto de quienes guardan algo de sentido común en los tiempos que corren. Y resulta así absurdo criticar (sí, tenía que decirlo) incoherencias en la historia como para qué sirve el Quidditch si quien coja la Snitch gana. Incoherencias también tuvo el impulsivo Lewis a la hora de crear Narnia. No las tuvo así Tolkien, más que nada porque su enfermiza autocorreción estuvo a punto de arrebatarnosEl Señor de los Anillos. Y si el primero fue impulsivo, y el segundo meticuloso, Rowling se ha caracterizado por ser intuitiva: ha sabido dar lo que el público pedía a voces sin despojar tradiciones -como la vampírica en la actualidad- ni recurrir a tópicos sexuales, explícitos o violentos.
Es cierto que en el viaje de exploración y aventura fantástica que inicia Harry Potter podemos encontrar similitudes con el protagonizado por Frodo a lo largo de la Tierra Media. La aportación de Rowling, es la propuesta de la Inglaterra -tal y como la conocemos- como mundo secundario implicado (es decir, con relación al primario) en el que se desarrollan las aventuras mágicas. Lewis huyó a su imaginada Narnia y Tolkien reinvento una magnífica Inglaterra transfigurada. Y nadie se atrevería -pocos conocen- las similitudes entre la obra del maestro conLas minas del rey Salomón. Lo importante no es la estructura, sino el contenido.
Harry Potter supone tanto la consecución de un objetivo externo, como el desarrollo y cúlmen de diferentes conflictos internos. Y también, para conocimiento común, supone una creativa vuelta de tuerca a lawainscot fantasy. Y es que, cuando un mundo creado se expande por sus propios seguidores, permanece en el tiempo y se retroalimenta, estamos hablando de un universo artísticamente completo.
T = ( es + u + cs + t )2 + s + ( tl + f )/2 + ( a + dr + fs )/n + sin x – 1
No se asusten, ya lo harán otros. El otro día hallábame hojeando un libro de matemáticas -no pregunten, por favor- cuando me encontré de bruces con la fórmula matemática del terror. Sí, han leído bien. La escalofriante ecuación (nunca mejor dicho) mide el impacto en las personas en relación al miedo que le producen las películas de terror, y ha sido el resultado de una investigación llevada a cabo por un grupo de expertos del King´s College de Londres.
Así que, guionistas, ya saben: desempolven los libros de matemáticas, coloquen las pilas en sus calculadoras y afilen lapiceros. Veremos quien destrona a la película de terror perfectta que, por cierto, según esta ecuación es El resplandor.
Hagan click en seguir leyendo y podrán conocer el significado de las incógnitas.
Que conste, antes de nada, que ni conozco a Antonio Sánchez-Escalonilla, ni me llevo comisión alguna por libro vendido. Quién pudiera. Llevo meses con él (el libro), sin embargo, la falta de tiempo o la dedicación del mismo a otros asuntos me ha impedido terminarlo.
Sin embargo, con lo leído y escuchado de buena mano,puedo asegurar que Fantasía de aventuras, claves creativas e novela y cine es un ensayo sobresaliente. Una guía fabulosa para cinéfilos, escritores y guionistas, que aborda la construcción de relatos fantásticos de aventuras desde diferentes perspectivas: repaso histórico a través de sus orígenes, pioneros del género, análisis de las obras de escritores y directores como James M. Barrie, C.S. Lewis,J.R.R. Tolkien, Roald Dahl, J.K. Rowling, Steven Spielberg, M. Night Shyamalan, George Lucas, Tim Burton… a través de una concordancia temática que a su vez despieza temáticas como el heroe, el enigma, la muerte, la nostalgia, el paraíso y la búsqueda del hogar entre otros. Además de repasar las polémicas diferencias entre los subgéneros propios de la ciencia ficción y los de fantasía; las diferentes clasificaciones y características de importantes teóricos…
Según el autor puede entenderse el género híbrido de fantasía de aventuras (subgénero de fantasía o subgénero de aventuras) como:
“Aventura protagonizada por héroes que comparten la experiencia ordinaria de lectores o espectadores y que, mientras acometen una misión, llevan a cabo un viaje de exploración en un mundo secundario de fantasía o bien mantiene un encuentro con seres fantásticos, al tiempo que perciben lo maravilloso en cuanto extraordinario.“
“El cuento ha existido desde siempre. Creado por el pueblo, el amor del niño le ha asegurado la vida. (…) Para mí, la opinión, el gusto y las preferencias del niño son preciosos porque son sinceros y auténticos”
(Ladislaw Starewicz: Le conte, le Jouet et le Cinéma, 1930)
Entomólogo de formación y cineasta autodidacta, Starewiczfilmó en Rusia y Francia más de un centenar de películas, desde principios de siglo hasta 1965. Tras iniciarse en el cine en los estudios Khanzhonkov y dirigir cine con actores, descubrió en la animación un medio ideal para desarrollar su desbordada imaginación, su habilidad técnica y su destreza como titiritero.
Ladislaw Starewicz puede ser considerado uno de los pioneros en la técnica stop-motion. Sus inicios tuvieron una intención documental al reproducir el apareamiento de los escarabajos-ciervo, imposible de registrar en vivo con los medios de la época. Y, según leo en diversas páginas de Internet, su técnica y calidad artística han sido alabadas por directores como Terry Gilliam, Nick Parky John Lasseter, y han influido notablemente en el trabajo de realizadores como Tim Burton, los hermanos Quay, Joel Meter-Witkin y Kyle Cooper.
Olvidado hasta hace poco y rescatado por investigadores y expertos, vuelven las elaboradísimas piezas de este brillante artista que merece aún hoy el reconocimiento que durante tanto tiempo se le ha negado. Dejo una de sus obras más conocidas: Cameraman’s Revenge. También pueden disfrutar de un breve documental sobre su legado.
No es el primer ejemplo de una «obra homenaje» llevada a cabo con exquisita calidad técnica por seguidores, fans, acérrimos, freaks o como quieran llamarles. Por ejemplo, corren por Internet diferentes y geniales antes y después de la historia llevada a la gran pantalla por Peter Jackson, El Señor de los Anillos, como esta.
Lo que realmente resulta curioso de este cortometraje es la mezcla. El nombre de su productor, director y guionista (aunque ha participado en el resto de departamentos) es Sandy Collora. Y, como en las mejores versiones en este tipo de obras, es un hombre de cine en las tareas más artísticas propiamente dichas: concept artist, sculptor, alien design (en Men in Black)
Hace un par de días surgió un ligero debate sobre si Avatardebería llevarse el premio de la academia a la mejor película. Transcribo algunas de las opiniones:
“Avatar no debería llevarse el Oscar® a la mejor película. Porque no lo es.“
“El premio de la Academia a mejor película se lo dan a la mejor producción y Avatar es por mucho la mejor producción de este año.“
“No debería llevarse el oscar a mejor película ni Cameron debería llevárselo a mejor director. Porque esa película no tiene ni un gran guión ni unas grandes interpretaciones[...]“
“Es una gran producción y también la más cara de la historia, pero apenas han salido del estudio para grabar las tomas. En ese sentido, District 9 no sólo tiene unos efectos impresionantes, sino que además aportan realismo a la historia (Avatar no tiene historia).“
Y muchas más que no incluiré aquí. Mi opinión es que estamos ante un producto de innegable capacidad técnica y de entretenimiento, quizá uno de los mayores espectáculos visuales en la historia del séptimo arte (cine sonoro, cine en color, cine en tres dimensiones); sin embargo, no es suficiente ni relevante para considerarla en su conjunto como mejor película realizada durante el pasado año. Y a estas alturas, es importante señalar de nuevo que más taquillera no es sinónimo de mejor.
Cualesquiera de estas opiniones, que duda cabe, sin menospreciar ni quitar méritos al mejor director del género scientifiction sobre la tierra. Aunque, como dije en su momento: a este paso, dentro de unos años nadie se escandalizará cuando algunos videojuegos estén nominados para los Oscars®.
Mucho se está hablando del último film de James Cameron y, aunque aquí no mencionaré sus récords de recaudación y taquilla. Eso pueden admirarlo tranquilamente en otro momento. Lo que sí voy a hacer es un breve análisis de opinión sobre el guión (click y descárgatelo) de la película. Un breve adelanto de un artículo – más extenso, más profundo y que abarcará muchos más temas pasados por alto - que estoy preparando para Cinemanet.
Existe un principio, reflexión o acuerdo no discutible que dice que algo así como: “Con un buen guión puede hacerse una película que no lo es tanto, sin embargo, de un mal libreto no puede sacarse un buen film”. Digamos que esta contrastada reflexión tenía su haber hasta que James Cameron se propuso exiliarla.
A Cameron se le reconoce el estilo de construir historias muy masticadas. Esa simpleza (narrativa) se concreta en que los malos son muy malos y los buenos, muy buenos. En que revolotea sobre ideas universales – fe, naturaleza, ciencia – sin adentrarse en las marismas de la personalidad humana, ni en conceptos concretos ni metafóricos. Y que las relaciones que puedan surgir entre los personajes, sus temores, aspiraciones e incluso la más mínima escala de grises de sus “yos” interiores se supedita a la acción; más concretamente a la mediación técnica para la acción. No estamos hablando de Alfred Hitchock, Clint Eastwood o Akira Kurosawa, ni que Cameron pretenda serlo.
Como en las historias que a veces se cuentan en él, el cine, en sí mismo, es también una fábrica de sueños reales que cobran vida entre las calles del mundo en el que nos ha tocado vivir. Porque existen dos clases de personas: quienes agotan su vida esperando una oportunidad y quienes la fabrican con sus propias manos. En este último grupo, el de los emprendedores, se encuentra el “ahora cineasta” urguayo Fede Álvarez. ¿Por qué?
Cinematográficamente hablando, el cortometraje que podréis ver al término de estas lineas lo tiene todo y no tiene nada. Panic Attack! es una pieza de casi cinco minutos en la que contemplamos la destrucción de Montevideo por parte de máquinas (robots) de colosal tamaño y ninguna predisposición a negociar. Hasta ahí, nada llama la atención, puesto que existen muchas historias anteriores a esta que hablan de lo mismo, más y mejor, durante más tiempo.
Lo realmente sorprendente es que su creador, Fede Álvarez, es un joven autodidacta del photoshop, premiere y after effects que firma este cortometraje – de una calidad visual impresionante – con tan sólo 200 euros de presupuesto. Para pagar a los extras, y por los pelos. Dicen que necesitó 6 meses (imagino que de noches largas) para terminar su obra. Pero, lo que sí es verdad, es que Youtube ha sido – durante poco más de un mes – la carretera hacia las puertas de Hollywood. Los grandes de Hollywood se lo han rifado. ¿Universal? ¿Disney? ¿Paramount? No. El ganador es Sam Raimi (Spiderman, Arrástrame al infierno) y su productora Ghost House. La oferta tiene un nombre: There will be robots; y un presupuesto: se habla de 40 millones de dólares. La libertad creativa de Fede (y el millón de dólares para desarrollar el proyecto) ha sido la baza definitiva para hacerse con sus servicios).
Se confirman dos tendencias. La primera, las películas del género de ciencia ficción y bajo presupuesto están en alza. Después de las buenas críticas cosechadas por District 9, los grandes magnates de la meca del cine no pierden detalle a lo se hace y deja de hacer en el (su) mundo. Gastar poco, ganar mucho; calidad rentable, negocio asegurado. Quédense con el nombre, Fede, quizá de mucho (o quizá no) que hablar dentro de poco.
La segunda: la globalización trae consigo la interacción de contenidos, la universalidad de las artes, la “democracia cinematográfica”. No todo el mundo puede hacer cine, ya que éste requiere experiencia, técnica, conocimiento y, por qué no, unas gotas de genialidad; sin embargo, el cine está al alcance de todos. Al igual que sucede en el ámbito del periodismo televisivo o escrito, hoy en día Internet es sin duda un canal de expresión a la vez que un ecosistema repleto de oportunidades, donde tu voz – tu habilidad – puede ser conocida por todos a una velocidad pasmosa.
M. Night Shyamalan volverá a producir una película de miedo, Devil. Esta vez la trama girará en torno al demonio. Personalmente, siempre he pensado que las películas de suspense más aterradoras han de ser las que versan sobre ese tema, porque a fin de cuentas es el más paranormal y, sin embargo, el más real. Así que si Shyamalan se embarca en un proyecto semejante, cabría presuponer un filme, cuanto menos, inquietante.
La obra artística de este director -escasa- es casi intachable. The sixth sense, por ejemplo, escrito y dirigido por él, fue un alarde de buen cine. Mejor dicho, de espléndido cine. El dúo protagonista, interpretado por Bruce Willis y Haley Joel Osment, funciona de modo ejemplar. La inquietante trama transcurre con un ritmo elegante e inteligente, lejos de los cánones al uso, y su contundente desenlace es digno de elogio.
En cualquier caso, en este largometraje sobresale el tema de las relaciones humanas. Y eso es lo más importante en una película de terror: que el espectador padezca con los personajes, que comprenda su tortura a la perfección, que haga suyas sus aflicciones. Gracias a un guión fabuloso y sutil, al que Shyamalan sacó mucho partido, esto se logró con creces. Ojalá lo haga de nuevo.
Según muchos cinéfilos, este año es especialmente jugoso para el género de la ciencia-ficción. Por un lado, se cumplen 30 años desde el estreno de Alien, el clásico de Ridley Scott protagonizado por Sigourney Weaver. Y, además, es ya inminente el estreno de Avatar, la tan esperada producción de James Cameron. Atendamos brevemente a la primera de estas películas.
¿Por qué triunfó tanto Alien? ¿Cuál es su secreto encandilador? Sin duda, la aparición de un terrible y desconocido monstruo en el espacio constituía un elemento novedoso y sobrecogedor. Pero, en realidad, la auténtica fuerza del filme reside en la magistral creación de un suspense que perdura durante toda la historia. Y eso forma parte de la genialidad de su director y de sus protagonistas.
La nave Nostromo se convierte en un recinto de agonía y frenesí desde el momento en que sus tripulantes deciden acudir a la señal de socorro procedente de un planeta anónimo. Comienza entonces una pesadilla casi apocalíptica nutrida a base de gritos, carreras, planos claustrofóbicos, silencios preconizadores y atmósferas tenebrosas y estéticamente horripilantes. Y el guión, siempre latente en la sucesión de los fotogramas, contribuye a ello con discreta elegancia.
Mucho se perdió entonces, pero nadie vive ahora para recordarlo. Todo comenzó con la forja de los Grandes Anillos. Tres fueron entregados a los Elfos, inmortales, los más sabios y honrados de todos los seres. Siete a los señores Enanos. Grandes mineros y artesanos de las cavidades montañosas. Y Nueve. Nueve fueron entregados a la raza de los hombres. Que ansían por encima de todo el Poder. En aquellos anillos residía el poder y la voluntad para gobernar a cada raza. Pero todos ellos fueron engañados. Pues otro Anillo más fue forjado. En la tierra de Mordor, en los fuegos del Monte del destino, el Señor Oscuro Sauron forjó en secreto el Anillo Regente, para controlar a todos los demás. En ese Anillo descargó toda su crueldad, su malicia y su voluntad de dominar todo tipo de vida.
En la Tierra Media, antes de que el Anillo Único se convirtiese en la pesadilla de elfos, humanos, magos y Hobbits; Aragorn y Gandalf decidieron ir en busca de la criatura Gollum para evitar que Sauron descubriese dónde se encontraba el Anillo, que por aquel entonces ya estaba en las manos de Bilbo Bolsón.
En Reino Unido, corría el año 2007 cuando Chris Bouchard, un fanático del Señor de los Anillos además de director y guionista de la criatura, se hizo la siguiente pregunta: ¿por qué no?
The hunt for Gollum es un mediometraje independiente basado en los apéndices de la saga de Tolkien, con poco menos de cuarenta minutos de duración y un presupuesto de 3000 libras (unos 3400 euros). Está rodado en Reino Unido (en los alrededores de Londres, Essex, Gales y Epping Forest) y cuenta con la participación voluntaria (y gratuita) de más de 150 personas de distintos ámbitos profesionales. Un equipo técnico y artístico, todos ellos fans incondicionales de la trilogía, reunidos para llevar a cabo esta fantástica pieza rodada sin ánimo de lucro. El resultado: una fotografía cuidada con esmero, localizaciones espectaculares, unas interpretaciones más que aceptables, la realización fantástica y un maquillaje y vestuario digno de las mejores películas históricas de Hollywood.
La razón de este proyecto en boca de su productor, Spencer Duru: ‘It is essentially a tribute to Tolkien but we also wanted to show film-making is not just about money’.
Os dejo la página web donde encontraréis tráilers, fotografías y el propio mediometraje. Merece la pena.
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About “Scenas”
El cine es un arte maravilloso y cautivador. También lo es la literatura. 'Scenas de Guión' es para disfrutar con las artes narrativas, en general. Porque pueden enseñarnos mucho acerca de la vida. Y porque, practicándolas, también podemos enseñar mucho a los demás.
Aquí encontrarán cuestiones variadas acerca del guión cinematográfico; crítica de cine; escenas míticas, y otras reflexiones. Quizás, también, algo de literatura y artes visuales... que lo disfruten.
"Una película tiene tres elementos fundamentales: el guión, el guión y el guión".
Sir Alfred Hitchcock
"Imagínese a un hombre sentado en el sofá favorito de su casa. Debajo tiene una bomba a punto de estallar. Él lo ignora, pero el público lo sabe. Esto es el suspense".
Sir Alfred Hitchcock
"¿Quién necesita a un guionista? Dadme un director competente y un par de actores inteligentes y en ocho semanas os mostraré a los tres tipos más nerviosos que hayáis visto".
Groucho Marx
"Escribir un guión no es esperar a que llegue la musa y te bese en la frente; es un trabajo muy duro. He hecho ambos trabajos, y sé que dirigir es un placer y escribir un guión es un rollo".
Billy Wilder
"Lo más importante es tener un buen guión. Los cineastas no son alquimistas. No se pueden convertir los excrementos de gallina en chocolate".
Billy Wilder
Ladislaw Starewicz puede ser considerado uno de los pioneros en la técnica stop-motion. Sus inicios tuvieron una intención documental al reproducir el apareamiento de los escarabajos-ciervo, imposible de registrar en vivo con los medios de la época. Y, según leo en diversas páginas de Internet, su técnica y calidad artística han sido alabadas por directores como 
do monstruo en el espacio constituía un elemento novedoso y sobrecogedor. Pero, en realidad, la auténtica fuerza del filme reside en la magistral creación de un suspense que perdura durante toda la historia. Y eso forma parte de la genialidad de su director y de sus protagonistas.
Mucho se perdió entonces, pero nadie vive ahora para recordarlo. Todo comenzó con la forja de los Grandes Anillos. Tres fueron entregados a los Elfos, inmortales, los más sabios y honrados de todos los seres. Siete a los señores Enanos. Grandes mineros y artesanos de las cavidades montañosas. Y Nueve. Nueve fueron entregados a la raza de los hombres. Que ansían por encima de todo el Poder. En aquellos anillos residía el poder y la voluntad para gobernar a cada raza. Pero todos ellos fueron engañados. Pues otro Anillo más fue forjado. En la tierra de Mordor, en los fuegos del Monte del destino, el Señor Oscuro Sauron forjó en secreto el Anillo Regente, para controlar a todos los demás. En ese Anillo descargó toda su crueldad, su malicia y su voluntad de dominar todo tipo de vida.
en los apéndices de la saga de Tolkien, con poco menos de cuarenta minutos de duración y un presupuesto de 3000 libras (unos 3400 euros). Está rodado en Reino Unido (en los alrededores de Londres, Essex, Gales y Epping Forest) y cuenta con la participación voluntaria (y gratuita) de más de 150 personas de distintos ámbitos profesionales. Un equipo técnico y 
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