Encuentro en Notas de Cine este vídeo, divertido y muy bien trabajado. Retrata con precisión los recursos típicos del cine de acción en el plano visual. No me parece que el tópico haya de ser, necesariamente, objeto de crítica, pero hay que conocer las herramientas de que se valen los contadores de historias: algunas de ellas, claro está, acaban convirtiéndose en verdaderos lugares comunes. Por cierto, que nadie se olvide de que la acción de una película también es labor del guionista: el papel no sólo contiene diálogos…
El artista polaco Tomasz (Tomek) Bagiński es uno de los más importantes creadores de cortometrajes de animación de Europa. Es productor, director, creador y guionista de sus propias historias, y una de ellas fue nominada para los Oscar: The Cathedral (Katedra, 2002). Además, su reciente Kinematograf ha sido precandidata en las nominaciones. Por lo visto se considera a sí mismo un autodidacta ya que abandonó sus estudios de arquitectura para dedicarse por completo a su pasión. Y acertó: sus cortometrajes arrasan en los festivales y ya desde su primer trabajo, Rain, se ha metido en el bolsillo a la crítica. También ha trabajado en la industria de los videojuegos, concretamente en The Witcher. La introducción cinematográfica del juego (un éxito a nivel mundial) también se gano el reconocimiento de Visual Effects Society.
Debajo, los cortometrajes de este magnífico cineasta.
Admito que el capítulo piloto de Misfitsme ha enganchado. Quizá empatice con el arquetipo de antihéroe; o puede que las series basadas en asuntos paranormales-superpoderes, diálogos callejeros y acción indiscriminada nublen mi juicio crítico. Porque así es como se presenta la nueva serie británica: gamberra. Aquí, no existe la capa romanticista de Heroes sobre la clásica lucha entre el bien y el mal. En Misfits los protagonistas son personajes marginados, adolescentes cubiertos de hormonas, perdedores de clase social baja que comienzan su andadura con un sonoro tropezón, más que con un paso firme. ¿Representación de los jóvenes de hoy día? Que nadie se escandalice de tal opinión, viendo algunos programas de la parrilla y series made in spain. Yo me divierto, aunque no dejo de asombrarme.
La evolución tradicional del anónimo hacia la máscara salvadora [anonimato - suceso trágico - anonimato heroico] está cambiando conforme a los tiempos. ¿Tienen cabida en nuestra ficticia (de ficción) sociedad actual viejas glorias como Superman? ¿Es posible su cohexistencia con el reparto de Kick Ass, los violentos justicieros de Sin City o los supervivientes de Zombieland? El drama, las historias y quienes las llevan a cabo para salvar el mundo evolucionan. Los poderes que les hacen especiales no son ya adjudicados sin posibilidad de elección (la pildorita de Matrix), sino que incluso se conciben como un castigo quasi moral, irónico. Vean si no el “don” que concedido a una de las protagonistas de esta serie grupal. Voy a tragarme el resto de capítulos y sigo, que aún queda por exprimir mucho jugo.
pd. Para los adictos a esa web tan “sobrevalorada”: Filmaffinityla cataloga con un 7,9.
La dama y la muerte es el divertidísimo cortometraje español que aspira a los Oscar este año. Lo firma la productora granadina Kandor Graphics, que también está de enhorabuena al situar El lince perdidoentre las candidatas a la mejor película de animación (ya se hicieron con el Goya). Y, encima, ha hecho historia. La pieza - producida en colaboración con Green Moon, productora de Antonio Banderas- supone la primera candidatura de un cortometraje español de animación. Y, además, ambas empresas trabajan en Goleor, primer largometraje de animación realizado en España en 3D. El director y guionista es Javier Reció García.
La dama y la muerte
El resto de competidores
Sin embargo, la disputa por el Oscar será cuanto menos competitiva ya que el resto de candidatos a la estatuilla ha presentado trabajos igualmente meritorios. SIGUE LEYENDOpara ver los 9 competidores restantes. Y los titanes son:
Los devoradores de series quieren más, los especialistas suben el listón y los críticos afilan sus lapiceros. Las televisiones se alían para acaparar lo mejores contenidos, las productoras reclutan genios creativos de la escritura y el diseño gráfico. El qué y el cómo se necesitan. Guionistas e ingenieros trabajan codo con codo. La audiencia premia al producto que cuente algo lo suficientemente interesante como para mantener nuestra atención en la pantalla con la frecuencia marcada por la publicidad. Queremos sorpresa, misterio, tensión y nos ofrecen personajes a los que sentimos como propios, a los que odiamos o amamos a partes iguales. En cualquier cafetería de una ciudad española, puede hablarse más de ficción que de realidad. En un par de meses, podemos encontrarnos en la sobremesa con una TV movie sobre la catástrofe en Haiti. Nos han enganchado, y no están dispuestos a dejarnos escapar con facilidad. Dependencia.
La industria audiovisual española crece y tras los primeros pasos indecisos y ciertos tropezones, lucha por el reconocimiento. Ya ha dado su primer bostezo en la época de la espectacularidad y el cómo va en camino (Los protegidos), pero la maquinaria norteamericana siempre avanza un paso por delante: disponen de más dinero y un mercado más amplio. Además, aquí el resultado se mide por share – tanto por ciento de personas que ven tu programa respecto al total de personas que están viendo la televisión en ese momento -, no por rating. Porque ideas hay en todos lados, y la creatividad se fomenta siempre y cuando el panorama sea mínimamente alentador. Sino, el borreguismo y el espíritu de funcionariado nos aprisiona. Esperanza. La pescadilla que se muerde la cola:
El dinero no da la felicidad, pero ayuda tanto en la vida real como en la ficción. Y en todo esto, tiene mucho que decir Stargate Studios, una compañía fundada en 1989 por Sam Nicholson – supervisor y productor de efectos especiales - para proporcionar una solución para efectos visuales de alta tecnología a todas aquellas películas o series de televisión que requieren de sus servicios. Ahora, muestran en su web cómo se hacen técnicamente algunos efectos especiales en varias series. Sigan el enlace porque resulta impresionante.
Dieciséis horas de filmación y dos años de post producción fue el tiempo necesario para dar a luz este cortometraje con tintes románticos, e inspirado en la historia de uno de los episodios de Twilight Zone. Su creador es Bruce Branit, propietario de Branit VFX y con cuatro nominaciones al Emmy Award en su currículo por su trabajo en Star Trek. Con todo, ha participado en una cantidad admirable de películas taquilleras y series de éxito, como Titanic y Lost.
El nombre de este mago de los efectos digitales empezó a escucharse tras su co-autoría (junto con Jeremy Hunt) en el cortometraje 405. Esta pieza tuvo un gran impacto mediático por ser uno de los primeros en ser masivamente distribuido en Internet (hablamos del año 2000) y ejemplo pionero en la Digital Revolution del séptimo arte.
Tanto Branit como Hunt dieron sus primeros pasos en el autodidactismo – por aquellos años no existían aún escuelas especializadas – y necesitaron poco más de 300 dólares, una cámara digital y sus propios ordenadores personales. El resultado, al igual que actualmente el cortometraje de Fede Álvarez, no tenía nada que envidiar a los efectos de las películas hollywoodenses contemporáneas.
405
The world builder ha sido galardonada con diferentes premios en varios festivales como KC Filmmakers Jubilee, el Indianapolis International Film Festival y el Indy Shorts Fest. Para los más interesados, tiene – aunque qué no lo tiene ya – un club de fans en Facebook.
La revista 3D World, editada por Future Publishing Limited que, a su vez, es una compañía de Future Network plc – grupo que produce más de 100 revistas, 60 sitios web y multitud de eventos en vivo por casi todo el globo – lo incluyó en unalista de los 10 SGI shorts (cortos realizados con imágenes fotorealistas, en 3D, animaciones, efectos especiales etc. generadas por ordenador) que no te puedes perder. Disfrútenlos.
Como en las historias que a veces se cuentan en él, el cine, en sí mismo, es también una fábrica de sueños reales que cobran vida entre las calles del mundo en el que nos ha tocado vivir. Porque existen dos clases de personas: quienes agotan su vida esperando una oportunidad y quienes la fabrican con sus propias manos. En este último grupo, el de los emprendedores, se encuentra el “ahora cineasta” urguayo Fede Álvarez. ¿Por qué?
Cinematográficamente hablando, el cortometraje que podréis ver al término de estas lineas lo tiene todo y no tiene nada. Panic Attack! es una pieza de casi cinco minutos en la que contemplamos la destrucción de Montevideo por parte de máquinas (robots) de colosal tamaño y ninguna predisposición a negociar. Hasta ahí, nada llama la atención, puesto que existen muchas historias anteriores a esta que hablan de lo mismo, más y mejor, durante más tiempo.
Lo realmente sorprendente es que su creador, Fede Álvarez, es un joven autodidacta del photoshop, premiere y after effects que firma este cortometraje – de una calidad visual impresionante – con tan sólo 200 euros de presupuesto. Para pagar a los extras, y por los pelos. Dicen que necesitó 6 meses (imagino que de noches largas) para terminar su obra. Pero, lo que sí es verdad, es que Youtube ha sido – durante poco más de un mes – la carretera hacia las puertas de Hollywood. Los grandes de Hollywood se lo han rifado. ¿Universal? ¿Disney? ¿Paramount? No. El ganador es Sam Raimi (Spiderman, Arrástrame al infierno) y su productora Ghost House. La oferta tiene un nombre: There will be robots; y un presupuesto: se habla de 40 millones de dólares. La libertad creativa de Fede (y el millón de dólares para desarrollar el proyecto) ha sido la baza definitiva para hacerse con sus servicios).
Se confirman dos tendencias. La primera, las películas del género de ciencia ficción y bajo presupuesto están en alza. Después de las buenas críticas cosechadas por District 9, los grandes magnates de la meca del cine no pierden detalle a lo se hace y deja de hacer en el (su) mundo. Gastar poco, ganar mucho; calidad rentable, negocio asegurado. Quédense con el nombre, Fede, quizá de mucho (o quizá no) que hablar dentro de poco.
La segunda: la globalización trae consigo la interacción de contenidos, la universalidad de las artes, la “democracia cinematográfica”. No todo el mundo puede hacer cine, ya que éste requiere experiencia, técnica, conocimiento y, por qué no, unas gotas de genialidad; sin embargo, el cine está al alcance de todos. Al igual que sucede en el ámbito del periodismo televisivo o escrito, hoy en día Internet es sin duda un canal de expresión a la vez que un ecosistema repleto de oportunidades, donde tu voz – tu habilidad – puede ser conocida por todos a una velocidad pasmosa.
Cuando la premisa de una historia es brillante, lo más importante está hecho. Es cierto que el desarrollo puede ser peor o mejor, pero por lo menos, se ha plantado una buena semilla. Pensé en esto después de ver Who framed Roger Rabbit (Robert Zemeckis, 1988). El punto de partida es Los Ángeles, California. Pero con algunas diferencias: porque hay hombres, que trabajan en Hollywood, y “dibus” -¡sí, dibujos animados!- que trabajan, claro está, en Toontown (“dibullywood”, en la traducción española).
El desarrollo posterior de la historia es discutible, aunque hay que reconocerle la virtud de saber retorcer y adaptar las convenciones propias del cine policíaco, de intriga o incluso del thriller, a un género (¿o es sólo una técnica?) hasta entonces inexistente: el mixto de animación e imagen real. Eso es obra del guionista Jeffrey Price (conocido por su colaboración en otrostítulos menos honrosos): aquí queda su tercer borrador.
Y una palabra para la técnica: es de reconocer un trabajo sensacional de animación; y más aún de interpretación. Aquí, un vídeo que lo explica de maravilla:
Quizás la historia de la humanidad no sea sino una sucesión de postguerras, es decir de desajustes entre quienes poseen desmedidamente el poder y quienes lo padecen, en las que volver a recuperar la vida sobre los destrozos de la irracionalidad, mientras los guerreros repostan y los nuevos alevines vuelvan a surgir para salvar a los demás mediante sus cruzadas enloquecidas.
Basilio Martín Patino
Salvar al soldado Ryan (Saving private Ryan, 1998) es, probablemente, una de las mejores películas bélicas de la historia del cine. Y, entre otros aspectos, se debe a escenas como el desembarco inicial del film en Normandía: cámara en mano (“reporterismo realista”), recreación minuciosa y un sonido ambiente que nos impulsa a tirarnos al suelo como si estuviésemos pisando la misma arena que el ejército (no sólo americano, querido Spielberg) tiene bajo sus botas.
Excluyendo el sobradamente representado patriotismo (nada que objetar, eh) y la etapa histórica en la que está enmarcada la historia que el Rey Midas de Hollywood busca contarnos, la narración y caracterización de cada uno de los personajes principales liderados por el capitán John Miller (Tom Hanks) está muy lograda. Excelente guión de Robert Rodat.
Pero, de momento, tan solo citar la primera escena. Ya habrá tiempo de centrarse en otros detalles concretos de esta película, por cierto, germen de la posterior serie de éxito Hermanos de sangre (Band of brothers, 2001).
Debajo de estas lineas disponen de un video que recrea – de la mano de únicamente 4 diseñadores, una cámara, cuatro días de rodaje y muchas tablas en esto del diseño cinematográfico - el desembarco visto en la película de Spielberg. Espero que haga las delicias de más de uno.
Antes de nada, la explicación de este descubrimiento:
¿Por qué resulta tan importante? Dos conclusiones (ninguna deducida por mí, pero sí entendida, y es lo que pretendo escribiendo sobre ello).
1. Lo importante no es tanto el contenido de los planos, si no la manera de combinar estos.
2. Es posible, gracias a la combinación de dos planos, para los que no se da un plano anterior de situación, que el espectador crea que han sido rodados en un mismo espacio.
En relación a estas conclusiones, y rastreando por la red, doy con esto:
Para que nos entendamos, el efecto Kulechov es el “antepasado” (narrativamente hablando) del croma, los efectos especiales… y la razón de que hoy en día pueda verse en pantalla una conversación entre Robert de Niro y Al Pacino sin que los dos coincidan físicamente el día del rodaje.
No tiene nada que ver con el guión, pero también es interesante: acabo de encontrar en First Showing un precioso vídeo que resume en 5 minutillos la historia de los efectos especiales. Merece la pena.
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About “Scenas”
El cine es un arte maravilloso y cautivador. También lo es la literatura. 'Scenas de Guión' es para disfrutar con las artes narrativas, en general. Porque pueden enseñarnos mucho acerca de la vida. Y porque, practicándolas, también podemos enseñar mucho a los demás.
Aquí encontrarán cuestiones variadas acerca del guión cinematográfico; crítica de cine; escenas míticas, y otras reflexiones. Quizás, también, algo de literatura y artes visuales... que lo disfruten.
"Una película tiene tres elementos fundamentales: el guión, el guión y el guión".
Sir Alfred Hitchcock
"Imagínese a un hombre sentado en el sofá favorito de su casa. Debajo tiene una bomba a punto de estallar. Él lo ignora, pero el público lo sabe. Esto es el suspense".
Sir Alfred Hitchcock
"¿Quién necesita a un guionista? Dadme un director competente y un par de actores inteligentes y en ocho semanas os mostraré a los tres tipos más nerviosos que hayáis visto".
Groucho Marx
"Escribir un guión no es esperar a que llegue la musa y te bese en la frente; es un trabajo muy duro. He hecho ambos trabajos, y sé que dirigir es un placer y escribir un guión es un rollo".
Billy Wilder
"Lo más importante es tener un buen guión. Los cineastas no son alquimistas. No se pueden convertir los excrementos de gallina en chocolate".
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