Lost in Translation, Sofia Coppola (2003)

Bob: It gets a whole lot more complicated when you have kids.
Charlotte: It’s scary.
Bob: The most terrifying day of your life is the day the first one is born.
Charlotte: Nobody ever tells you that.
Bob: Your life, as you know it… is gone. Never to return. But they learn how to walk, and they learn how to talk… and you want to be with them. And they turn out to be the most delightful people you will ever meet in your life.
Charlotte: That’s nice.

(Bill Murray y Scarlett Johansson en Lost in Translation.)

Díganme, ¿cómo no iba a llevarse Sofia el Oscar al Mejor guión original? (Aquí, la versión original). Miren, miren:

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Drive, Nicolas Winding Renf (2011)

No pienso destripar el guión de esta perla cinematográfica. Ni siquiera me atreveré a enunciar una breve sinopsis, porque, si a toda película habría que concederle -por sí misma- el beneficio de la duda antes de verla, ésta lo merece con más razón todavía. Nada mejor que la sorpresa para deleitarse con ella.

Diré, eso sí, que se trata de una película excelente. En todos los sentidos: por la dirección cuidadísima de Winding Renf, por la música envolvente de Cliff Martinez y otros cuantos, por una fotografía excepcional que nos descubre un Los Angeles nuevo -y con una atmósfera tan cautivadora como la de Collateral-, por el montaje frío y sereno, por el guión sobrio (aquí, entero), por la acción comedida y sabiamente distribuida en la trama… y por las interpretaciones, claro. Señores, Ryan Gosling y Carey Mulligan están bri-llan-tes. Qué capacidad para conmover al espectador con unos silencios, unos gestos y unas miradas que lo dicen todo.

Sigo sin entender que esta obra maestra tan poderosa e intensa no se llevara ningún Oscar hace unas semanas, porque a los amantes del cine nos regaló una reflexión sensacional sobre el amor y la soledad. El auténtico amor y la verdadera soledad, quiero decir. Bravo.

The Confession es una webseries estrenada en 2011 a través de Hulu, compuesta por 10 episodios de 6 minutos de duración. En mi caso, opté por ver el montaje completo de 60 minutos que se ofrecía en Netflix –ese fantástico servicio.

He aquí la premisa: un asesino a sueldo entra en una Iglesia Católica y se dirige al confesionario. Una vez allí, revela su profesión al sacerdote, así como su intención de asesinar a un hombre esa misma noche.

Toda la historia se desarrolla en torno a la pregunta por el pasado: ¿qué hay detrás de dos hombres tan diferentes entre sí? ¿Que les ha llevado a conectar de modo tan extraño en este confesionario? No puedo comentar mucho más, porque caería en los dichosos “spoilers” y no es mi intención. Merece la pena ver este pequeño trabajo, aunque a veces –como casi todo en esta vida– caiga en excesivas simplificaciones. The Confession se pregunta por  la naturaleza y el origen del mal; la culpa y el perdón y el castigo de vivir con las culpas perdonadas.

Me pregunto cuál es la impresión de la enseñanza católica que un no-Cristiano obtendría de esta historia. Es difícil de decir, porque carezco de esa “neutralidad”. Pero desde luego es un atrevido –y entretenido– ejercicio de reflexión que sigue una magnífica receta: bajo presupuesto; alto nivel de drama; excelentes actores.

• Mejor Película: The Artist.
• Mejor Actor: Jean Dujardin (The Artist).
• Mejor Actriz: Meryl Streep (The Iron Lady).
• Mejor Actor de Reparto: Christopher Plummer (Beginners).
• Mejor Actriz de Reparto: Octavia Spencer (The Help).
• Mejor Película de Animación: Rango.
• Fotografía: Hugo.
• Dirección Artística: Hugo.
• Vestuario: The Artist.
• Mejor Director: Michel Hazanavicius (The Artist).
• Mejor Documental: Undefeated.
• Montaje: The Girl With the Dragon Tattoo.
• Mejor Película Extranjera: A Separation.
• Maquillaje: The Iron Lady.
• Banda Sonora Original: The Artist.
• Canción Original: ”Man or Muppet”, Bret McKenzie (The Muppets).
• Efectos Sonoros: Hugo.
• Mejor Sonido: Hugo.
• Efectos Visuales: Hugo.
• Mejor Guión Adaptado: The Descendants.
• Mejor Guión Original: Midnight in Paris.

Fuente: Oscars.com

Si algo llama la atención en la 84ª Ceremonia de los Oscar, es la previsibilidad. Nada se salió del guión, los premios fueron los esperados y nos quedamos sin sorpresas. Billy Crystal se portó como si de hecho fuera un ser humano normal y corriente y el tono de la gala –como viene siendo habitual– se mantuvo sosete y eficiente. La simpática interpretación de Emma Stone como presentadora primeriza logró arrancarnos una sonrisa; y la desfachatez de Jim Rash imitando a la escandalosa Angelina Jolie se ganó una carcajada hecha y derecha.

Está claro la Academia tiende a la simpatía por esas películas que homenajean deliberadamente al cine y su historia. Hugo y The Artist no sólo son magníficas películas, sino que además constituyen un tributo al propio medio cinematográfico: en el caso de la película de Scorsese, a través de la figura de Meliés; y en The Artist, con un drama relacionado con la transición del cine mudo al sonoro –un aspecto de la historia del cine que fascina a muchos cineastas: Cantando Bajo La Lluvia; Sunset Boulevard; etc.

Por otro lado, parece que la Academia se estuviera empeñando en dar un toque de atención a Hollywood. En los Oscar de los dos últimos años, una película británica y otra francesa han barrido el escenario. Y merecidamente, en mi opinión. Es bien sabido que hay mucha “política” oculta tras el telón del Teatro Kodak, pero si de verdad la Academia está intentando “despertar” a los cineastas americanos, no hace falta cruzar el charco: bastaba con mirar a El Árbol de la Vida. Una película que quedará en los libros de historia del cine, pero que ayer pasó por la alfombra roja sin pena ni gloria. La injusticia se consumó cuando el Oscar a la Mejor Fotografía cayó en las manos de Hugo. Por supuesto, estas cosas son opinables, pero mi argumento es considerablemente sólido: vean el vídeo a continuación.

En el terreno de Animación, tampoco hubo sorpresas. Es sin embargo, un año muy interesante, por varias razones: Uno, Pixar no estaba invitada a la fiesta. Un merecido toque de atención que, probablemente, será rápidamente olvidado gracias a Brave y Monsters 2, que están al caer. Dos, la ganadora Rango –al igual que varias “nominadas-no-premiadas” de este año y anteriores– son películas de animación que no están dirigidas al público infantil. Se va abriendo camino la idea, tan necesaria, de que animación no es necesariamente infantil. La injusticia en este capítulo ya había tenido lugar semanas antes, cuando Tintín se quedó fuera de las nominaciones.

Nada nuevo, nada demasiado malo, nada demasiado bueno. Son los Oscar, y la prioridad es mantener las cosas bajo control. Falta atrevimiento y coraje para salirse de lo convencional, sí. Pero al mismo tiempo no se puede negar que todas las películas protagonistas de la noche son ejemplos magníficos de buen cine, empezando por las ganadoras The Artist y Hugo, que además, nos intentan explicar por qué se puede “amar” el cine.

Volvemos a las andadas, señores. Aunque nunca llegamos a marcharnos, pero bueno. Y seguro que, entre tanto, han visto mucho y buen cine.

En uno de nuestros últimos posts hablamos de cómo, gracias a su talento, algunos actores han logrado salvar películas con un guión normalito.  Pues bien, hoy pondré nuevos ejemplos para ilustrar hasta qué punto un actor puede convertir una escena aparentemente poco original, casi anodina, en algo memorable. Le bastan sus gestos, sus miradas, su coherencia y su verosimilitud para transmitir lo que va más allá de las simples palabras.

No son películas que merezcan el calificativo de obra maestra, y, sin embargo, el espectador se siente fascinado -incluso conmovido- por unos instantes. Qué dificil es lograr que un buen actor dé con un buen guión. Y viceversa, claro.

-Tobey Maguire y Natalie Portman en Brothers:

Anne Hathaway en Rachel Getting Married:

-Richard Gere en Hachiko: A Dog’s Story:

-Clive Owen en Trust:

-Keira Knightley en Last Night:

Las películas de deportes tienden a crear una estructura narrativa en torno al juego, su desarrollo, y los resultados en las diferentes fases (eliminatorias, ligas, etc.) El boxeo, particularmente, forma un pequeño micro-género dentro de este mundo. La variedad de títulos es amplia: El Hombre Tranquilo, Toro Salvaje, Rocky, Hurricane, y un largo etcétera.

El otro día vi –¡por fin!– The Fighter. A todas luces, una gran película, especialmente por las formidables actuaciones de Bale, Wahlberg y Amy Adams. Es, además una gran historia plasmada en un gran guión. Pero me hizo recordar que no deja de ser otra historia de boxeo, que obedece –más o menos– a una estructura muy simple de “ascenso, caída y ascenso”. Me vino a la cabeza Cinderella Man, por cuanto la estructura narrativa –esa cosa que se repite en tantísimas películas y que sin embargo nunca cansa, precisamente porque es lo que hace que todo funcione– es sorprendentemente similar.

Cambiemos el contexto de la Gran Depresión por el sub-mundo de la adicción al crack. Cambiemos una esposa y dos hijos (Cinderella Man) por una novia, una madre y siete hermanas trastornadas (The Fighter). Cambiemos a Paul Giamatti por Christian Bale, ambos entrenadores. En ambas películas, tanto Jimmy Braddock como Micky Ward necesitan dinero, y mucho. Los dos se fracturan una mano, por lo que tienen que dejar de pelear. Los dos son tentados por el ring nuevamente, y regresan. Los dos confrontan a boxeadores de mayor peso y categoría (sea Max Baer o Alfonso Sánchez). Incluso los combates se desarrollan de manera muy similar: en las primeras cinco rondas al protagonista le dan para el pelo. Entonces el entrenador le proporciona inspiración –un recuerdo, una promesa– y el boxeador reacciona. Pero no es suficiente: el contrincante es muy superior y su poder parece capaz de doblegar la voluntad del protagonista… Hasta que aparece la chica –o su imagen, o memoria, o cualquier otra forma de recordar al protagonista que en realidad está luchando por los que más quiere. Y entonces llega el truco final: un movimiento inteligente que proviene de una pista plantada 45 minutos antes: el puñetazo letal de Baer, los golpes al cuerpo de Ecklund… o “castigar el hígado”, si hablamos del Potro Italiano. Y entonces el oponente cae y nuestro protagonista se da cuenta de que lo único importante es su familia o su mujer o su novia. Y no tanto el boxeo. El arco se cierra, el personaje crece, aprende y se completa.

Todo esto no quiere decir, ni por asomo, que The Fighter sea una película formulaica o topicoide. Todo lo contrario. Esto prueba que la llamada “estructura” tiene sentido y funciona. Es la prueba de que la estructura es necesaria, es parte inherente de la narración, de la confrontación de un personaje con un conflicto y de su crecimiento a través de dicha confrontación. Así es como se cuentan las historias.

Porque el cine también está para eso: para no dejar de soltar carcajadas durante dos horas. La lista de actores que han logrado este efecto en el espectador, gracias a guiones inteligentes e interpretaciones maravillosas, es gigantesca y varía según los diversos gustos de la audiencia. Aunque algunos nombres sobresalen más que otros y pasarán indiscutiblemente a la historia del séptimo arte, como los de  Charlie Chaplin, los hermanos Marx, Buster Keaton, Jerry Lewis,  Jack Lemmon, Louis de Funes, Eddie Murphy o Jim Carrey.

Hoy quiero quedarme con el desternillante, polifacético, único y extraordinario Bill Murray de Cazafantasmas II:

Tal vez sea coincidencia, pero no por ello deja de ser interesante. Hace poco vi dos películas recientes y muy parecidas entre sí: ambas hablaban del amor maduro entre dos personas de mediana edad -con más de 40 años a sus espaldas- y de la necesidad de enamorarse de nuevo. O sea, de las segundas oportunidades que ofrece la vida.

Y en ambos filmes los protagonistas son actores de renombre a los que, sin duda, se les queda corto el guión. Con sus interpretaciones reposadas, magnéticas, llenas de experiencia, silencios y miradas, parecen confesarnos secretos sobre ellos mismos que en sus conversaciones limitadas, mal aprovechadas, no oímos. Me atrevería a decir que el espectador sólo desea encontrarse con él, con ella o con los dos y olvidarse de la trama.

¿A qué películas me refiero? Sólo detallaré el título y el reparto básico, por aquello de no destripar las historias (que, por otra parte, sin ser del todo malas, resultan bastante previsibles):

-Nights in Rodanthe: Diane Lane y Richard Gere.

-Last Chance Harvey: Emma Thompson y Dustin Hoffman.

Son un buen ejemplo cinematográfico de cómo desaprovechar talento dramatúrgico por culpa de un guión flojo.

Evita, Alan Parker (1996)

I don’t expect my love affairs to last for long
never fool myself that my dreams will come true
being used to trouble i anticipate it
but all the same i hate it
wouldn’t you
So what happens now (another suitcase in another hall)
so what happens now (take your picture off another wall)
where am i going to (you’ll get by you always have before)
where am i going to
Time and time again i’ve said that i don’t care
that i’m immune to gloom that i’m hard through and through
but everytime it matters all my words desert me
so anyone can hurt me
and they do (…)

Evita Perón (Madonna) y Ché (Antonio Banderas) en Evita. El guión completo, y en inglés, aquí.

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Schindler’s List, Steven Spielberg (1993)

Todos tenemos un puñado de actores y actrices que nos fascinan. Pues bien, en el caso que aquí nos ocupa, el de La lista de Schindler, reconozco que me hallo en un brete desesperante. No sé con cuál de los ellos quedarme, si con el reflexivo y hábil Schindler (un Liam Neeson francamente insuperable), con el repulsivo oficial Amon Goeth (Ralph Fiennes interpreta al nazi más memorable que he visto hasta la fecha) o con el buenazo de Itzhac Stern (menudo actorazo que está hecho Ben Kingsley).

¿Quién supera a quién? Maldición, aunque es difícil decantarse, lo haré. Me quedo con Ralph: con sus miradas insondables y paranoicas, con sus crueldades repentinas, con su pulcritud empalagosa, con su maldad abominable, con su acento british, tan elegante, transformado en un alemán intachable.

Si a estas interpretaciones les sumamos la fotografía antológica de Janusz Kaminski, el guión exquisito de Steven Zaillian (aquí, entero y en inglés), la música más perfecta jamás creada por John Williams y una historia francamente soberbia, que  logra mantener vivo en nosotros, por mucho tiempo, el horror del Holocausto nazi, el resultado es excepcional. En mi opinión, la mejor obra de Spielberg.